NANDO SUITE MOVIES

Samuel Wilder, más conocido como Billy Wilder (Sucha, Austria, 22 de junio de 1906 - Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de 2002) fue un director de cine estadounidense de origen austríaco. Nació en Sucha, en el entonces todavía Imperio Austrohúngaro.

Wilder pasó su infancia y su juventud en Austria. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, teniendo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron hondamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein. Entró a trabajar para la UFA donde conoció a los grandes directores del momento.

Adolf Hitler llega al poder en Alemania durante el año 1933, lo que obliga a Wilder, por su condición de judío, a huir a París, ciudad en la que se produce su debut en la dirección, con la película Curvas Peligrosas, codirigida con el periodista húngaro Alexander Esway en 1934. El filme narra la historia de un grupo de ladrones de coches, dos de los cuales se enamoran y quieren abandonar la banda, pese al riesgo de represalias por parte del resto de los miembros. Wilder rodó la película sin demasiado entusiasmo y, según sus propias palabras, lo hizo por necesidad y sin experiencia. Tras su breve paso por la capital francesa, Wilder en 1934 se trasladó a Estados Unidos, junto al actor Peter Lorre. Para entrar en la industria estadounidense, Wilder tuvo primero que aprender el idioma, desconocido hasta entonces para él. Compartió apartamento en estos primeros tiempos con el genial actor Peter Lorre, uno de los personajes que le facilitaron el acceso a los estudios. En el año 1940, Wilder adoptó la nacionalidad americana, lo que le permitió ser coronel del ejército durante la 2º Guerra Mundial. La experiencia adquirida durante su etapa castrense, le permitió recrear fielmente el Berlín ocupado para su película Berlín Occidente (1948). Wilder y Lorre compartieron hambre y momentos muy difíciles durante una temporada. Allí comenzó a trabajar como guionista para la Paramount, y tuvo la ocasión de colaborar con Ernst Lubitsch, su gran maestro. El día de su funeral dijo: "Nos hemos quedado sin Lubitsch. Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch".

Sus primeros años en Hollywood los dedica a trabajos como guionista en títulos de directores exiliados como él. Así podemos encontrar colaboraciones suyas en trabajos de William Dieterle, Joe May o Rolf Thiele. En esta época comienzan sus colaboraciones con el escritor Charles Brackett, fruto de lo cual surgieron películas como La octava mujer de Barba Azul (Ernst Lubitsch, 1938), Medianoche (Michael Leisen, 1939), Ninotchka (Ernst Lubitsch, 1939), Bola de fuego (Howard Hawks, 1941), Berlín Occidente (Billy Wilder, 1948) y El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950) último trabajo en común de ambos. El mayor y la menor (1942) film protagonizado por Ginger Rogers y Ray Milland supone el segundo trabajo como director de Wilder, si bien es el primer trabajo del austriaco en Estados Unidos.

Cinco tumbas al cairo primera de las cuatro películas "alemanas" de B. Wilder (Cinco tumbas al Cairo, Berlín-Occidente, Traidor en el infierno y Uno, dos, tres). Es un film sorprendente por varios motivos: utiliza la comedia e ironía para tratar un tema trágico como era la II Guerra Mundial y por otra parte evita el tópico sobre lo tontos y brutales que eran los soldados nazis, como lo demuestra el hecho de asignar el papel del enemigo Rommel a un actor como von Stroheim con el objetivo de darle al personaje cierta grandeza. Con esto Wilder quería manifestar que odiaba a los nazis pero no a los alemanes y él creía que los oficiales que estaban en Africa actuaban como alemanes y no como nazis. Stroheim era un mito cinematográfico.

La consagración le llega con el título Perdición (Double Indemnity), 1944. Basada en una novela de James M. Cain, la historia nos presenta a un vendedor de seguros que conoce a la esposa de un posible cliente. Esta pretende liquidar a su marido para lo que cuenta con la ayuda del vendedor, cegado por la pasión que la mujer despierta en él. El título tiene el merito de lo que Raymond Chandler, coguionista del filme junto a Wilder, llamó la cacería, novedad consistente en que el espectador conoce a los culpables desde el comienzo y espera ansioso ver cuando se les atrapa. Durante el rodaje hubo diferencias entre Wilder y Chandler que hicieron a éste último elevar una protesta por escrito a los estudios. Wilder reconocía las diferencias que había entre él y Chandler: "primero estaba mi acento alemán. Segundo, yo conocía mejor las herramientas que teníamos que utilizar. Y, además, yo tenía algo: era joven y salía con chicas guapas. Todo esto lo hacía volverse loco. Me miraba fijamente. Yo encarnaba todo aquello que él odiaba de Hollywood. Además, no podía sobreponerse al hecho de que, en lo que se refería al guión, yo tuviera la última palabra." El éxito del filme fue clamoroso y el mismísimo Alfred Hitchcock mandó un telegrama a Wilder en el que escribía: “Desde, Perdición las dos palabras más importantes en el mundo del cine son Billy Wilder".

El siguiente trabajo de importancia de Billy Wilder le llega con Días sin huella (The lost weekend), 1945. La historia presenta a Don Brinam, fracasado profesionalmente y con una vida sumida en el infierno, debido al alcohol. Todo el rodaje se llevó a cabo en las calles de nueva York, con Ray Milland en el papel principal. El preestreno del filme resultó un total fracaso, por lo que la Paramount decidió archivar la película, golpeando de esa forma muy duramente al cineasta austriaco, pero meses después se reestrenó y el público si respondió. Además, el filme se hizo acreedor a cuatro Oscars de la Academia.
El vals del Emperador no es una película del gusto de Wilder. La rodó porque quiso hacerle un favor a los estudios, que buscaban un argumento para Bing Crosby. Y sin embargo la película tuvo bastante éxito, tanto económico como de crítica. Pese a todo, Wilder la considera dulzona, con excesivas canciones y músicas que interrumpen la historia.La película se rodó en las Rocosas canadienses, y muchos críticos han considerado que en el rodaje Wilder se lanzó a un despilfarro desmesurado. He aquí algunos ejemplos: hizo trasplantar al Canadá varias docenas de abetos crecidos, hizo construir una isla artificial en medio de un lago, hizo importar cuatro mil dientes de león de California y por si fuera poco, después de haber hecho plantar las flores, las hizo teñir de azul, pintó las calles de color ocre, etc... Pero ante estos presuntos abusos hay que aclarar que la película cubrió de sobras sus gastos, y lo más importante es que Wilder actuó de esta forma porque era su primera película en color y su forma de actuar durante el rodaje fue una manifestación de la lucha de Wilder con el color. Al director no le gustan los (primeros) colores: "Todo adquiría el aspecto de una heladería. Incluso el diálogo suena mal en color". Esto explica sus desesperados esfuerzos: cambiar el color de las flores y de las calles, son también el intento para corregir los colores de caramelo y de heladería de las películas en Tecnicolor.
En 1950, Wilder realiza una de sus películas más realistas y duras, El Crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard). La película presenta a un escritor mediocre, Joe Gillis,  que se refugia en la mansión de Norma Desmond, diva del cine mudo retirada del mundanal ruido. Norma pretende que Joe corrija un guión escrito por ella, parea que suponga su rutilante vuelta a la fama. Wilder afirmaría con su habitual franqueza y mordiente: "para mí esa película es Hollywood; el guionista, el agente, la estrella olvidada, todos eran retratos del natural." Louis B. Mayer se lanzó sobre Wilder enfurecido cuando visionó el producto final: "¡Bastardo, ha arrastrado por el lodo a la industria que lo ha convertido a usted en alguien y que le ha dado de comer. Habría que alquitranarlo y emplumarlo y echarlo de la ciudad!”. Wilder permaneció impasible aguantado el temporal y, cuando concluyó, dijo: "Fuck you!". Pero la crítica fue excelente para el filme y lo lanzó directamente al olimpo de las obras maestras. El N. Y. Times escribió: "El Ocaso de una Estrella es una rara mezcla de guión cáustico, interpretación magnífica, dirección magistral y fotografía discretamente artística con la que el público queda hechizado de manera automática y cautivo de un clímax desgarrador". Wilder continuó con sus duras  y realistas críticas en su siguiente trabajo, El Gran Carnaval (Ace in the hole, 1951), trabajo protagonizado por Kirk Douglas, pero que supuso el primer fracaso del cineasta. La década de los 50 resultó extraordinaria para el realizador austriaco. Prácticamente todos sus títulos son imprescindibles para entender la capacidad como autor de Wilder, aunque las películas más redondas de este periodo son El crepúsculo de los dioses (1950), Traidor en el infierno (1953), Testigo de cargo (1957) El año 1954 supone una rebaja en sus ansias de crítica de la sociedad y del ser humano, ya que lleva a cabo el rodaje de una deliciosa comedia: Sabrina, protagonizada por una bellísima Audrey Hepburn, Humphrey Bogart y William Holden. Trata sobre el clásico tema de la Cenicienta y supuso un gran éxito, lo que no evitó que el rodaje estuviera repleto de problemas. Billy Wilder afirmaría al respecto: "Bogart no me podía soportar; tampoco podía soportar su papel y no hacía un secreto de ambas cosas. Hasta entonces, había interpretado sobre todo a tipos duros que llevaban gabardina, que ocultaban sus sentimientos. Se había hecho famoso por su papel de Rick en "Casablanca" y acababa de ganar el Oscar por su papel en “La Reina de África”. Y ahora debía engañar a una muchachita cursi, para quedar, finalmente, a su merced. A él esto no le gustaba". El N. Y. Times declaró: "Sabrina es la mejor comedia romántica de los últimos tiempos". En 1957, Wilder comenzó a colaborar con I.A.L. Diamond para escribir sus guiones, trabajo del que surgieron Ariane (1957), Con faldas y a lo loco (1959), El apartamento (1960), que se convirtió en uno de sus título más populares y en el más galardonado de su carrera, pues logró el premio a la mejor película, mejor dirección y mejor guión. Uno, dos, tres (1961), Irma la dulce (1963), Bésame, tonto (1964), En bandeja de plata (1966),El guión de este film le proporcionaría su última nominación a los Oscar. La vida privada de Sherlock Holmes (1970), ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? (1972), Primera plana (1974) y Fedora (1978). Tras Sabrina Wilder llevó a cabo el rodaje de dos comedias muy sensuales: La Tentación vive arriba (1955) y Con faldas y a lo loco (1959). Ambas tienen como protagonista a Marilyn Monroe, de la que Wilder llegó a afirmar: “Existen más libros sobre Marilyn Monroe que sobre la Segunda Guerra Mundial. Hay una cierta semejanza entre las dos: era el infierno, pero valía la pena”. Cuando se le pregunta a Wilder por qué rodó El héroe solitario contesta: "Fue una decisión tonta". El director se encontró con muchas dificultades, por ejemplo con el reparto. En principio se quería a John Kerr, pero rechazó el papel porque no quería interpretar a Lindbergh, considerado simpatizante de los nazis. Al final fue James Stewart el que lo interpretó, entre otras razones por su gran admiración hacia el piloto.  Pero el gran problema para Wilder fue que al ser una historia autobiográfica no se le dejaba margen a él, y el libro de Lindbergh fue un corsé demasiado rígido y estrecho. Según Wilder: "Me hubiera gustado subrayar la soledad de Lindbergh en su vuelo, atribuyéndole una chica en su última noche antes de su despeque en Nueva York. Había pensado una escena en la que un par de periodistas hablan de la aventura tan peligrosa y solitaria que este joven va a emprender. Y durante una cena, mientras se imaginan y piensan que quizás el día siguiente Lindbergh esté muerto sin haber amado a una mujer, se les ocurre la idea de que seguramente sería agradable para él no tener que pasar la última noche completamente sólo con su miedo. Así que convencen a una guapa camarera para que vaya a su casa y pase con él esa noche. La chica va a casa de Lindbergh. Al día siguiente él parte hacia su aventura sobre el océano. Cuando vuelve triunfante, entre la multitud que le aclama está la camarera, pero él no la ve". Esto nunca se pudo rodar porque Lindbergh no lo hubiera admitido, ya que el contrato decía que había que mantenerse estrictamente fiel a la autobiografía. Existe una escena que inmortalizó a Marilyn  y a  La tentación vive arriba: Marilyn encima de un respiradero del metro y con el vestido ascendiendo sobre sus piernas. Wilder dijo sobre la escena: "Cuando rodé con ella la escena de la boca de ventilación del metro tenía la atención del mundo. Se reunieron veinte mil personas, hubo caos de circulación y una crisis matrimonial entre Joe DiMaggio y Marilyn. Reconozco que yo también me habría puesto nervioso si veinte mil personas hubieran estado observando una sola cosa: cómo mi mujer se levantaba las faldas por encima de la cabeza". La película obtuvo un buen resultado positivo en las taquillas, pese a que no fue muy del gusto de la crítica. El segundo trabajo con Marilyn es Con faldas y a lo loco, en la que también participan Tony Curtis y Jack Lemmon. El rodaje con la rubia fue bastante problemático, puesto que llegaba tarde con frecuencia, olvidaba las letras, hasta el punto de tener que repetir una escena 59 veces, pretendió imponer el color en vez del blanco y negro y, para colmo, se negó a perder 10 kilitos de nada para el rodaje, motivo por el cual aparece algo rolliza. Wilder diría sobre ella y su legendaria tardanza: "Sobre la impuntualidad de Marilyn debo decir que tengo una vieja tía en Viena que estaría en el plató cada mañana a las seis y sería capaz de recitar los diálogos incluso al revés. Pero, ¿quién querría verla?... Además, mientras esperamos a Marilyn Monroe todo el equipo, no perdemos totalmente el tiempo... Yo, sin ir más lejos, tuve la oportunidad de leer Guerra y Paz y Los miserables." Este fue el último trabajo de Wilder con la rubia, motivo por el cual afirmó: "Me han preguntado si volveré a trabajar con Marilyn Monroe, y tengo una respuesta clara. Lo he discutido con mi médico, mi psiquiatra y mi contable, y todos me han dicho que soy demasiado viejo y demasiado rico para someterme de nuevo a una prueba semejante.     Irma, La Dulce (1963) se convierte en uno de los mayores éxitos de Wilder. Sus protagonistas son una pareja ya conocida del director: Shirley MacLaine y Jack Lemmon. El filme cuenta una historia de amor entre una prostituta parisina y un policía. La película despertó opiniones desiguales entre la crítica. La Vida Privada De Sherlock Holmes (The private life of S. Colmes, 1970) supone una apuesta personal de Wilder, pero desafortunadamente el filme no alcanzó el éxito deseable, aunque con los años está comenzando a ser reconocida. En 1974, regresa a sus años de duras críticas y polémicas gracias al título Primera plana (Front Page). La película afronta el tema de la pena de muerte y su utilización morbosa por parte de los medios .La crítica no se sintió bien tratada en el filme y, haciendo acopio de corporativismo, no lo calificó bien. Incluso, el propio Wilder no quedó muy satisfecho con el trabajo. Aquí un amigo (Buddy, buddy, 1981) se erige como el último trabajo de Billy Wilder, para el que contó con sus dos cómicos favoritos: Jack Lemmon y Walter Matthau. Las críticas convirtieron al filme en un fracaso, hecho que fue asumido por el propio Wilder.

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Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth. No era un buen momento para la familia.

El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut artístico.

El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte de otras compañías ambulantes, ya profesionales aunque muy modestas. En 1898 murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un experto actor infantil. En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 fue afortunado para el joven cómico. Se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.

Los comienzos en Hollywood

A los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos. Fue la época en que Mack Sennett obtuvo un gran éxito con sus filmes cortos de bañistas y policías, basados en corridas, gesticulaciones exageradas, palos y peleas con tartas de crema. Sennett adivinaba las posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste realizó su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su productora, la Keystone.

Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc. El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana. Cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos.

Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin era el protagonista absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría de ellos su partenaire era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion, The Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine.

La celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920 y el divorcio le costó a Charles 200.000 de sus preciosos dólares.

También en 1918 realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas entre ese año y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como A Dog Life (Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan, la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagró como un genio del cine.

Ya en 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith (sin duda otro genio del cine) habían constituido la productora independiente United Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de 1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle) y pagó un millón de dólares al divorciarse de Lolita.

En esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en 1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una versión sonora narrada por su voz y con música propia. Ya en 1927 se estrenó la primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin seguía fiel al cine mudo cuando en 1928 realizó The circus (El circo), película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la trilogía, pese a ser un magnífico filme cómico. Por esta película recibió su primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights (Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación de su alter ego cinematográfico, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.

En 1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos modernos), una ácida parábola sobre el maquinismo industrial y las miserias del capitalismo.

Al desatarse la guerra y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940, The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del nazi-fascismo, en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en peluquero judío y un Hitler mitómano y paranoico que anunciaba la disposición de Chaplin a encarnar nuevos roles, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la Goddard, cuyo personaje llevaba el nombre de la madre de Charles (Hannah), fallecida en 1928. Chaplin y Paulette se distanciaron en 1941 y poco después el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo no le impidió casarse a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne dramaturgo Eugene O'Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona, que permanecería a su lado el resto de su vida.

El patriarca de Vevey

Tras rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola del maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en 1949 ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas. Al año siguiente, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.

Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres Limelight (Candilejas),para mi la mejor película jamás filmada por Charles Chaplin, magnífica y sentimental rememoración de sus días de cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York (Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.

Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong, 1966). Pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sofía Loren y Marlon Brando, y al propio director en el rol menor de un camarero, el filme no tuvo éxito y quizá no lo merecía. La mano maestra de Chaplin conservaba cierta elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico. El anciano creador debió de advertirlo, porque no volvió a insistir.

Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir un Oscar por la totalidad de su obra. En 1976 Richard Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el director de la fotografía, el español Néstor Almendros. Otro español, el cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente con el oficio de su padre. Éste murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Merimée; The Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day's Pleasure (Un día de juerga), 1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino), 1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público.

Entró en el mundo del cine casualmente. Era un cineasta artesano y disciplinado dentro del sistema de los grandes estudios y creó, a partir de buenos actores y guiones, excelentes películas. Después de hacer multitud de trabajos de baja categoría (como mecánico de bicicleta, taxista, mecánico), conoció al productor y director Allan Dwan al que sirvió como chófer.

De la mano de Dwan, Fleming empieza a entrar en conctacto con el mundo del teatro y de la interpretación y de hecho, se une a Douglas Fairbanks y John Emerson para realizar algunos proyectos. Además, fue uno de los cámaras de Intolerancia de D.W. Griffith en 1916.

En la Primera Guerra Mundial, Fleming fue el supervisor de las escenas aéreas de Fairbanks y, posteriormente, sería el cámara personal de Woodrow Wilson en la Conferencia de París.

Así fue, como en 1919, hizo que Fleming pudiera obtener el dinero necesario para realizar su primera película When the Clouds Roll By. A partir de aquí dirige una serie de títulos menores y no es hasta 1925 cuando dirige con la Paramount otro de sus grandes éxitos Lord Jim (1925). Durante esos años, lanza a la fama a diferentes actores: Clara Bow con la película Flor de capricho (Mantrap), Emil Jannings se da a conocer al público norteamericano con El destino de la carne (The Way of All Flesh) y Fleming le da la primera oportunidad sonora a Gary Cooper en El virginiano (The Virginian).

En la década de los 30, Fleming ficha con Metro Goldwyn Mayer, donde lanza a la fama a Clark Gable en Tierra de pasión (Red Dust) en 1932, en 1934 rueda La Isla del tesoro con Jackie Cooper, Wallace Beery, Lewis Stone, Lionel Barrymore, Otto Kruger, Nigel Bruce, Charles McNaughton, Douglass Dumbrille, Charles Sale y Dorothy Peterson. Luego en 1935 hace La indómita con Jean Harlow, William Powell, Franchot Tone, May Robson, Ted Healy, Nat Pendleton y Robert Light y, encuentra un estrepitoso éxito con Capitanes intrépidos (Captains Courageous) (1937) y El mago de Oz (The Wizard of Oz).

Uno de los grandes musicales de la historia del cine. Vívida adaptación del libro de L. Frank Baum, con una maravillosa Judy Garland en el papel protagonista (conseguiría el estrellato con un film que había descartado previamente Shirley Temple) y una esmerada producción de Mervyn LeRoy.

Las excelentes caracterizaciones de los personajes, el buen pulso mostrado por el director Victor Fleming (algunas escenas fueron rodadas por George Cukor, Richard Thorpe y sobre todo King Vidor, que dirigió la mayoría de las secuencias en blanco y negro), el entrañable e inocente sentido de la fantasía infantil en un tono ensoñador, el inteligente empleo fotográfico en blanco y negro y color como contraste del mundo real y la imaginación fantástica o la excelente utilización de los efectos especiales (el rapto de Dorothy por los monos alados está filmada de forma excelsa) son algunos de los puntos más destacados de un film inmortal.

Pero sin duda una de las cosas por la que será recordado para lo posteridad es el haber sido el director que finalmente apareció en los títulos de crédito de Lo que el viento se llevó (Gone With the Wind). Partiendo de una idea del megalómano productor David O'Selznick, el film es firmado finalmente por el excelente Victor Fleming, pero en su narración participaron gente como Sam Wood o el mismísimo George Cukor; con el guión pasaría un poco de lo mismo, el nombre que aparece en los créditos es el de Sidney Howard, pero contribuirían también personajes como Val Lewton, Scott Fitzgerald o Ben Hetch.

Esta superproducción que basicamente narra una intensa historia de amor desgajada en espinosos ramajes, es un ejemplo extraordinario de como el sistema de estudios puede conseguir una obra magistral e imperecedera.

A pesar de su extenso metraje, la película aguanta constantemente el ritmo, manejado con gran pulso por Fleming, las descripciones de los personajes son enormes, en especial, el interpretado por Vivien Leigh, Escarlata O'Hara, uno de los personajes femeninos más importantes y ricos de toda la historia del cine, las actuaciones son perfectas y rutilantes, en especial la citada Leigh y un incomensurable Gable creando un personaje lleno de recovecos, cínico e irónico, pero también solitario y mohíno.

Visualmente esta película es espléndida, ayudada por un diseño de producción de William Cameron Menzies antológico, y la música de Max Steiner sirve para aportar aún mayor grandiosidad a la leyenda.

Aunque bastante maniqueo, el film aborda temas impregnados de los valores que se rezuma en el territorio sureño como pueden ser el honor, el orgullo, la familia o la tierra y la propiedad, sin dejar de otear al tema de la esclavitud.

Lo que el viento se llevó siempre permanecerá con un valor incólume en el cinéfilo, atrapado en escenas o frases que se quedan incrustadas en un subconsciente que sabe que nunca más volverá a realizarse película de esta magnitud. G

En 1941 hizo El extraño caso del Dr. Jekyll con Spencer Tracy, Ingrid Bergman, Lana Turner, Donald Crisp, Ian Hunter, Barton MacLane y C. Aubrey Smith y en 1942 La vida es así con Spencer Tracy, Hedy Lamarr, John Garfield, Frank Morgan y Akim Tamiroff.

En la siguiente década, todas las películas de Fleimng excepto su último proyecto Juana de Arco (Joan of Arc) (1948) fueron un completo éxito. Especialmente Dos en el cielo (A Guy Named Joe) con Spencer Tracy e Irene Dunne. Cuando le aconteció su muerte en enero de 1949, Fleming planeaba la realización de La soga (The Robe), que finalmente hizo la 20th Century Fox en 1952 de manos de Alfred Hitchcock. Falleció el 6 de enero de 1949 en Cottonwood (Arizona).

Nació el 26 de julio de 1922 en la localidad de Tulsa, Oklahoma (Estados Unidos), hijo de Patricia Walker y de Jack McEdwards, asistente de dirección, quien a su vez era hijo del director J. Gordon Edwards. Su hermana es la actriz Jennifer Edwards.

Su primera labor como director fue en la emisión televisiva Four Star Playhouse (1952), serie para la cual dirigió y escribió varios episodios.
Venga tu sonrisa (1955), comedia co-escrita junto a Quine, fue su largometraje debut. Más tarde y en la década de los 50 Edwards dirigiría títulos como He laughed last (1956), El temible Mr. Cory (1957), drama con Tony Curtis y Martha Hyer en donde coincidió por primera vez con el genial compositor Henry Mancini, La pícara edad (1958), con Debbie Reynolds, Vacaciones sin novia (1958), con la pareja Tony Curtis y Janet Leigh, y Operación Pacífico (1959), comedia bélica protagonizada por Cary Grant y de nuevo Tony Curtis, uno de los intérpretes más habituales de Edwards en los inicios de su carrera.

La primera mitad de este decenio resultó ser el momento más destacado de su carrera. Así filmó títulos como Chantaje contra una mujer (1962), thriller con Lee Remick y Glenn Ford o Días de vino y rosas (1963), uno de los acercamientos al alcoholismo más afortunados en la historia del cine en el cual volvía a utilizar a la actriz Lee Remick, en esta ocasión acompañada por Jack Lemmon, quien demostraba que tanto servía para la comedia como para el drama...como ya había comentado en su biografía, él valía para todo tipo de interpretación.

La película más popular de Blake Edwards fue La pantera rosa (1963), protagonizada por David Niven, Peter Sellers, Robert Wagner, Claudia Cardinale y Capucine. La partitura de Mancini y la pantera rosa de dibujos animados aparecida en los títulos de crédito lograron una repercusión extrema que conllevó la creación de una famosa serie de televisión de dibujos animados.

Asímismo Edwards lanzó el personaje del Inspector Clouseau y al actor Peter Sellers, quien obtuvo el papel tras el rechazo de Peter Ustinov, al estrellato. Sellers y Clouseau serían los protagonistas absolutos de la serie continuada por títulos como El nuevo caso del Inspector Clouseau (1964), El regreso de la Pantera Rosa (1975), La Pantera Rosa ataca de nuevo (1976), La venganza de la Pantera Rosa (1978) y Tras la pista de la Pantera Rosa (1982).

En los años 70 y al margen de sus títulos con la Pantera Rosa Edwards estrenó el musical Darling Lili (1970), Dos hombres contra el Oeste (1971), western con William Holden y Ryan O’Neal, Diagnóstico: Asesinato (1972), película de intriga basada en una novela de Michael Crichton, La semilla del Tamarindo (1974), con Julie Andrews y Omar Sharif, y 10, la mujer perfecta (1979), una de sus películas más conocidas que volvía a contar con el protagonismo de Andrews, acompañada por Dudley Moore y la sex symbol del momento, Bo Derek.

Howard Hawks (30 de mayo de 1896 - 26 de diciembre de 1977) fue un director, escritor y productor de cine estadounidense. En su amplia filmografía que incluyo Film Noir, películas del oeste y comedias, entre otras, se cuentan numerosas películas premiadas con premios Oscar, entre otros galardones. Él sin embargo, solo obtuvo una nominación y un Oscar honorífico en 1975.

Biografía

Nace el 30 de mayo de 1896 en Goshen (Indiana) y muere el 26 de diciembre de 1977 en Palm Springs, (California). Se casó tres veces con Athole Shearer (1928 a 1940 año en que se divorcian), Nancy Gross (1941 a 1947 año en que se divorcian) y Dee Hartford (1953 a 1959 año en que se divorcian).Su primera esposa era hermana de Norma Shearer .

Antes de entrar en el mundo del cine fue piloto de aeroplano y corredor de coches. En Red Line 7000 homenajea este mundo de las carreras de coches.

Filmografía

Comentario sobre su filmografía

Hawks dirige películas desde 1926 The Road to Glory hasta 1970 Río Lobo un total de 47.

Trabaja en 23 guiones, de los que no dirige: Quicksands, Tiger Love, Dresmaker From Paris, The, Road to Yeserday, The, Honesty - The Best Policy, Underworld (no acreditado), Viva Villa! (no acreditado), Test Pilot, Indianapolis Speedway, Outlaw, The (no acreditado ni en el guión ni en la dirección) y Thing From Another World, The (no acreditado ni en el guión ni en la dirección); el resto de sus guiones los dirigió él.

Produce 21 películas, la primera Quicksands en 1923 para Jack Conway, que también escribe, Corvette K-225 para Richard Rosson, el resto son producciones de sus propias películas por lo que tiene un control sobre ellas que no solían tener otros directores de Hollywood.

Considerado por la industria americana como un artesano, son los europeos en Cahiers du Cinèma los que “descubren” para los americanos los valores de Hawks hasta llegar a ser considerado como uno de los grandes de todos los tiempos.

Hawks dirige cualquier tipo de género y, los que toca, consigue obras maestras consideradadas como de las mejores del género.

En el género “negro”: Criminal Code, Scarface, To Have and Have Not en la que dignifica a Ernest Hemingway , The Big Sleep novela de Raymond Chandler y guión de William Faulkner

En la comedia: Bringing Up Baby maravillosa pareja protagonista Cary Grant y Katharine Hepburn, His Girl Friday segunda versión de Primera Plana en la que cambia el personaje de hombre a mujer, Ball Of Fire, I Was a Male War Bride, Gentlemen Prefer Blondes

En el oeste: la saga de los ríos: Río Rojo, Río Bravo, Río Lobo (su última película). Además Red Line 7000 sobre carreras de coches, Hatari! sobre safaris, Land of the Pharaohs con una alta carga política y hace una incursión en el género de terror / ciencia ficción con The Thing From Another World

En dos ocasiones se copió a sí mismo El Dorado sobre Río Bravo y A Song Is Born sobre Ball Of Fire en la que consiguió una bis cómica de Gary Cooper.

Se cuenta que John Ford amigo de Hawks, después de haber visto "Rio Rojo" y refiriéndose a John Wayne dijo: "Nunca pensé que este hijo de puta supiera actuar", de hecho a partit de esta película John Ford le da más profundidad a los personajes de Wayne, cosa que antes no había hecho y que eran totalmente planos.

Unas de sus premisas de trabajo era que la cámara siempre tenía que estar a la altura de los hombres, y que el espectador no debía de ser consciente de su movimiento. Esto le proporcionaba un estilo en apariencia muy sencillo pero a la vez muy difícil de ejecutar.

A pesar de haber hecho un puñado de las mejores películas de la historia del Cine, no ganó ningún Oscar; sólo estuvo seleccionado en 1942 por Sergeant York y recibió uno honorífico por toda su carrera en 1975

Su verdadero nombre es John Martin Feeney. Decimotercer hijo de unos inmigrantes irlandeses. Tras su intento por ingresar en la Marina, se traslada en 1913 a Hollywood para trabajar con su hermano Francis Ford, director, guionista y actor en la Universal. Diez años después, adoptó el seudónimo de Jack Ford que pronto cambiaría por John Ford.

Actor y ayudante de dirección en las películas de su hermano, a partir de 1917 empieza a dirigir sus propios filmes para la Universal, eran western interpretados por el mítico Harry Carey uno de los primeros héroes de oeste americano. Hizo gran número de películas mudas, muchas de ellas de baja calidad, que no han llegado a nuestros días. En 1924, hace su primera gran película, además de su primer éxito importante: El caballo de hierro.

En 1939, explotó de verdad su talento. Dirigió La diligencia, con la que el western adquirió la categoría de género mayor. A partir de ahí, las películas que hizo le convirtieron en una leyenda. Además, fue su primera colaboración importante con John Wayne, su actor fetiche que le acompañaría durante toda su carrera. Muchas veces se ha dicho que el personaje de Wayne era el álter ego de Ford: mejor sería decir que era el prototipo de vaquero que el director irlandés se imaginaba.

Otro actores con los que trabajó fueron: Maureen O´Hara, mujer de gran belleza con carácter fuerte para oponerse a los hombres; James Stewart, Victor McLaglen; Ward Bond, su actor de reparto por excelencia, o Henry Fonda. Se supo rodear de un equipo de grandes especialistas. Entre los guionistas cabe citar a Dudley Nichols (La Dilgencia) o Frank S. Nugent (El hombre tranquilo, Centauros del desierto); en la fotografía trabajó con grandes maestros como:Winton C. Hoch (El hombre tranquilo), Gregg Toland(Las uvas de la ira) o Gabriel Figueroa (el fugitivo).

John Ford es detrás de Griffith la imagen del cine americano. Cuando se atrevía a demostrar sus sentimientos, sus películas derrochan una lírica insuperable. Películas de tono épico, sabía conjugar perfectamente el drama con cinceladas de verdadera hilaridad. Fue un maestro del tiempo, un gran director de actores a los que sacaba, a veces cruelmente, sus mejores interpretaciones. Es uno de los directores más reconocidos, como ejemplos decir que el Ford de Francis Ford Coppola es en su honor y que Orson Welles cuando le preguntaron por sus tres directores favoritos respondió: John Ford, John Ford y John Ford.

Renombre y fama

John Ford está considerado uno de los realizadores más importantes del periodo clásico de Hollywood (entre finales de los años 20 y 60 del siglo XX).

De todos los grandes cineastas americanos ha sido uno de los que más influencia ha tenido en el cine posterior. Poco tiempo después de llegar a Hollywood logró el aplauso y admiración de los productores. Fue uno de los miembros más activos del Sindicato de Cineastas Americanos.

Aunque es popular sobre todo por sus western en su filmografía se encuentran todo tipo de personajes: gente normal, granjeros, emigrantes, obreros, militares oscuros, indios... esta cantidad de personajes pintorescos permiten a Ford hablar con realismo y humor de la gran diversidad del género humano. En todos ellos se muestra (de manera más o menos clara) el caracter católico y patriota del director. De la misma manera está considerado un cineasta de grandes escenarios y paisajes grandiosos.

Entre Portland e Irlanda

John Martin Feeney nació en una familia de inmigrantes irlandeses. Su padre era original de Spiddal en el condado de Galway y su madre, de las Islas de Aran. John es el más joven de una familia de 11 niños (de los que tres nacieron muertos y otros dos murieron muy niños). Tiempo más tarde su padre inmigró a Estados Unidos, en 1872, y en 1878 ó 1880 se nacionalizó americano instalándose en Portland. Allí abrió en 1897 un speakeasy donde se reunía la comunidad irlandesa de la villa. Por diversos problemas, hasta la edad de 12 años, John Ford tuvo la vida partida entre Portland e Irlanda.

En 1909 su hermano Frank T. Feeney viaja a California con Gastón Méliès. Él se convertirá en Francis Ford: actor y realizador de seriales para los estudios Universal Pictures.

John, durante sus años de estudiante se mostró un apasionado de la historia además de ser un excelente jugador de fútbol. Ganó algo de dinero trabajando como portero del Teatro Jeffersons (en Portland) y así pudo ver a los grandes actores del momento como Ethel Barrymore o los espectáculos del salvaje oeste.

Sus comienzos en Universal Pictures

En 1914 John Martin llegó a la universidad y brilló por su absentismo escolar. Cuando ese mismo año su hermano Francis regresó a casa y habló de Hollywood, John decidió ir con él. Allí descubrió los entresijos del cine gracias a las películas que su hermano protagonizaba y realizaba para los estudios Universal. Él adoptó la misma posición y adoptó el nombre de Jack Ford. En 1915 interpretó dos pequeños papeles en las películas que su hermano hizo como asistente-realizador. Interpretó más tarde a uno de los fundadores del Ku Klux Klan en El nacimiento de una nación de D. W. Griffith.

A partir de 1916 estuvo contratado por los estudios Universal como asistente-realizador. Él ayudó a otros directores contratado por Allan Dawn y empezó a dirigir escenas de figurantes. La primera película que dirigió íntegramente es El tornado que se estrenó el 3 de marzo de 1917. Esto significó su primer contrato con Universal por 125 dólares a la semana. Así realizó otros dos western protagonizados por Harry Carey. Ellos trabajaron juntos en 25 películas tras conocerse en 1919. En esta fecha él ganaba ya 300 dólares a la semana, y había alcanzado la fama de un gran director de Hollywood.

John conoció a Mary McBryde Smith en 1920. La muchacha de origen irlandes, descendiente de Thomas More sería su esposa poco tiempo más tarde. Ella estaba divorciada por lo que no pudieron casarse por la iglesia. Tuvieron dos hijos: Patrick Michael (1921) y Barbara (1922). Ambos se dedicaron al mundo del cine cuando fueron mayores: Patrick como productor-realizador de películas de Série Z y Barbara como montadora.

La mayor parte de las películas realizadas por Universal hoy están desaparecidas. Solo quedan tres El rancho diablo de 1917, su primer largometraje; Bucking Broadway del mismo año y recientemente recuperada; y Hell Bent de 1919. Todas ellas están protagonizadas por Harry Carey que recogen la esencia de las películas del oeste de Ford: sus grandes escenarios y los complejos personajes femeninos iguales a los de los hombres.

En la Fox

Las películas realizadas por Ford desde su inicio hasta 1920 están producidas por Universal. Es en este año cuando estrena su primera película para la Fox. Cameo Kirby, de 1923, es la primera película en cuyos créditos aparece el nombre de John Ford (decidió sustituir su primer nombre artístico, Jack Ford, por el de John).

En 1921 emprende un largo viaje a Europa. Regresa a Irlanda, donde uno de sus sobrinos forma parte del IRA. Así es como es presentado al independentista irlandes Michael Collins.

Comienza a ganar 600 dólares a la semana y en 1924 la Fox le confía la realización de una película faraónica titulada Caballo de hierro. En 1927 se traslada a Alemania para el rodaje de Four sons, donde descubre el cine expresionista. Es la película más taquillera del director.

En 1927 es elegido director de la Motion Pictures Directors Association.

Su debut en cine sonoro

La primera película hablada de Ford es Napoleon's barber (hoy desaparecida). Ford demuestra su valía entonces en las escenas de acción dado que para las escenas dialogadas se empleó a actores de teatro que no terminaban de dar el aire que se pretendía a la película.

En 1928 firma un contrato con la Fox de dos años con un sueldo increíble: ganaría 2500 dólares a la semana durante el primer año y 2750 e el segundo. Tragedia Submarina (Men without Women) de 1930 es la primera colaboración de Ford con el guionista Dudley Nichols. Ford diría de su compañero en Présence du cinema, marzo 1965: << Nos hemos hecho muy amigos. Él adora el cine. Él no escribe nunca frases sonoras. Él escribe con un lenguaje cotidiano, y reduce los diálogos al mínimo. Es un hombre maravilloso >>.

En 1931 la Fox, tras haber perdido a William Fox pone fin a su contrato, pero puede seguir trabajando con otras compañías. Sufre su primera desintoxicación alcohólica en un viaje a Honolulu. En ese mismo año dirige Arrowsmith con el productor Samuel Goldwyn lo que le reporta una primera nominación a los Oscar, a pesar de que le costó adaptarse a las nuevas condiciones de trabajo de su nuevo productor. Su película siguiente Air mail de 1932, es producida por Universal. Además rueda su primera película para la Metro-Goldwyn-Mayer: el melodrama Flesh. Recobra a Dudley Nichols para La patrulla perdida que mete en escena en 1934 la RKO con Victor McLaglen, a quien ofrecería un nuevo gran papel en Hangman's house. Ford detestará siempre su siguiente película El mundo en marcha ambientada en los finales del siglo XIX y principios del XX a pesar de que tiene varias escenas de guerra muy realistas. Más éxito tuvo Judge Priest con Dudley Nichols en el guión y el actor Will Rogers que había dirigido el año antes en Doctor Bull y que nuevamente dirigiría en 1935 en la película Steamboat round the bend, justo antes de que éste muriera en un trágico accidente de avión. Esta película es una de las preferidas del director. Se hizo un remake en 1952 titulado El Sol brilla para todo el Mundo.

En 1934, Ford empieza a participar económicamente en sus películas. Se compró un yate al que bautizó como "L'Araner" en homenaje a Irlanda que tendría hasta 1970. Rodaría dos películas más y empezaría a tener problemas por la presión de Hollywood. Continuó su amistad con John Wayne, que trabajó con él como figurante en sus primeras películas, en El delator.

En 1935 funda con King Vidor, Lewis Milestone, William A. Wellman, Frank Borzage y Gregory La Cava la Asociación de Directores, reemplazando así la Asociación de Directores de Películas. El delator, realizada muy rápido para la RKO le permitió abordar el tema de la Irlanda británica. No son un misterio su simpatía hacia el IRA. En esta película se descubre al Ford de los decorados interiores, está lejos de sus grandes producciones y decorados clásicos del oeste. Con este trabajo, inspirado en el cine expresionista recibe su primer Oscar al mejor director que iría a parar a la Asociación de directores fundada anteriormente.

20th Century Pictures en 1935 absorbe a la Fox, y pasa a denominarse desde entonces 20th Century Fox, de Darryl F. Zanuck. Realiza junto a su nuevo productor, un gran admirador de Abraham Lincoln, Prisionero del odio. Los problemas entre Ford y Zanuck comienzan por el enfrentamiento a causa del acento sureño de Warer Baxter. Ford está a punto de dejar la 20th Century Fox pero finalmente accede a los deseos de Zanuck. Desde entonces mantienen una estrecha amistad y admiración.

Dirige a Katherine Hepburn en María Estuardo (Mary of Scotland) para la RKO en 1936. Dirigió también en 1937 Huracán sobre la Isla producida por Samuel Goldwyn.

Es un luchador muy activo también en la lucha contra el nazismo. En 1938 defiende el bloqueo a la Alemania nazi y es nombrado miembro de la Liga Hollywoodiense Anti-Nazi. La firma del pacto germano-soviético le valió la crítica de los comunistas que le acusaron de "propaganda de guerra".

El periodo clásico                                                                                                                                      

De La diligencia a El fugitivo

Con La diligencia, Ford regresa al western. En esta película cuenta con John Wayne que recibe la oportunidad de su vida y se convertirá en una gran estrella. Los exteriores se rodaron en Monument Valley. La película optó a ocho Oscar, de los que consiguió el de actor secundario con Thomas Mitchell y el de banda sonora, y John Ford recibió el Premio de la Crítica Cinematográfica Neoyorquina. La diligencia se considera la mejor película del Oeste de todos los tiempos.

Después y junto a Zanuck retomó su pasión por Lincoln y rodaron juntos El joven Lincoln con Henry Fonda, que será el protagonista de sus dos películas siguientes: Las uvas de la ira (colaboración número doce con el escenógrafo Nunnally Johnson) y Corazones indomables. En 1940 gana de nuevo el Oscar al mejor director. Su talento por fin es reconocido por los profesionales y la crítica.

Vuelve a trabajar con Jonh Wayne en Hombres intrépidos. La última película de Ford antes de la guerra Qué verde era mi valle es todo un éxito de público y crítica. Recibe cinco Oscar, entre ellos el de mejor película y mejor dirección arrebatándoselo a Ciudadano Kane de Orson Welles.

En 1939 Ford tiene la intuición de que América no tardaría en entrar en la Segunda Guerra Mundial. Se pone a la cabeza de un grupo de cineastas que piden a Franklin Roosevelt el boicot a la Alemania nazi y funda un grupo de gente de Hollywood al servicio de la Armada Americana llamado Naval Field Photographic Unit. Tras el ataque japonés a Pearl Harbor el 7 de diciembre de 1941 se fundan otros dos grupos similares.

Durante la guerra Ford y su equipo recorren los teatros informando de operaciones militares. A principios de 1.942 van al frente del Pacífico. Realizan para la Marina los documentales: 7 de diciembre sobre el ataque de Pearl Harbor, y La batalla de Midway; las imágenes del ataque japonés a la isla fueron rodados por Ford. Las dos le reportaron un Oscar al mejor documental. Realizó también una pequeña película para las familias de las víctimas de Midway llamada Escuadrón Torpedo. En 1942 se traslada al norte de África para cubrir el desembarco. Durante 1943 cubre multiples operaciones exteriores y las victorias de los aliados en Victoria en Burma. Cubre también en 1944 el desembarco de Normandía. Sigue también al ejército durante la preparación del Proceso de Nuremberg.

De febrero a junio de 1945 rueda They were expendable para la Metro-Goldwyn-Mayer con John Wayne, Robert Montgomery y Donna Reed. Ésta es curiosamente la única película de Ford sobre la Segunda Guerra Mundial, en la que tan activamente participó. El dinero recaudado por esta película fue destinado para los veteranos de la Field Photo Unit y la Field Photo Farm.

Después de la guerra vuelve a Hollywood y vuelve a rodar en Monumental Valley: Pasión de los fuertes.

El Fugitivo(1947); en ese filme trabaja de nuevo con Henry Fonda, a quien permitía interpretar con total libertad en esa pelicula